François Margolin es director, productor y guionista. Dirigió la película Salafistas (2016).
"Viajar es una cuestión de moralidad". Esta célebre frase de Jacques Rivette - escrita sobre la película Kapo de Gillo Pontecorvo, a principios de los años 1960 en Cahiers du Cinéma - luego retomada por Jean-Luc Godard, es la frase definitiva con la que cualquier película que pretenda mostrar al nazismo campos de exterminio. Básicamente, esto significa que es vergonzoso hacer esteticismo sobre Auschwitz.
Ahora bien, ¿qué hace el director Jonathan Glazer en su última película, La zona de interés, ganadora del Premio del Jurado en el último Festival de Cannes? Estética. Y eso es lo impactante. Sobre todo porque afirma, a lo largo de sus entrevistas, ser Claude Lanzmann, una autoridad absoluta en la materia, que compartía, por supuesto, el punto de vista de Jacques Rivette. Y que no dudó en derribar sin escrúpulos La lista de Schindler de Steven Spielberg. No sé qué habría pensado Claude Lanzmann, fallecido hace casi seis años, pero, habiendo sido su amigo y su productor en sus últimos años, me permito decir que la película de Jonathan Glazer me atrae. Fue terriblemente impactante. .
Jonathan Glazer opta por no mostrar Auschwitz, sus cuarteles y sus cámaras de gas. Por el contrario, apoyándose en la novela homónima del inglés Martin Amis -de la que desvía la mayor parte de la trama- se sitúa del lado de Rudolf Höss, el líder nazi del campo. Nos hace vivir junto a él y su familia. Esto demuestra -intencionalmente loable a priori- que uno puede vivir durante años, junto a los humos de las cámaras de gas, una vida completamente normal como pequeño burgués alemán. En la película, los judíos deportados hacen dos o tres apariciones tímidas y mudas, y podemos adivinar el horror que sufrieron. Allí, al otro lado del muro que bordea el jardín del pabellón Höss, se encuentra este jardín donde juegan los hijos del dignatario nazi. Cerca de la piscina donde resopla la pequeña familia.
El problema es que poco a poco nos vamos metiendo en la cabeza de Rudolf Höss y que compartimos su visión y sus sentimientos. Uno se pregunta por qué. ¿Por qué compartir con él los problemas que atraviesa con su esposa? ¿Por qué simpatizar con sus problemas de ascenso en la jerarquía nazi? ¿Por qué sufrir este malestar durante una hora y cuarenta y cinco minutos? ¿Es una experiencia artística? ¿Videoarte? Un acontecimiento, como lo hizo hace unos años el director ruso Ilia Andreïevitch Khrjanovski en el Théâtre du Châtelet con su proyecto Dau. Porque Jonathan Glazer está muy orgulloso de sus argumentos estéticos. Afirma haber tenido diez cámaras funcionando constantemente en el pequeño pabellón. Uno se pregunta por qué. Desde el inicio de la película, nos sumerge en cinco minutos de total oscuridad para “ponernos en ambiente”. Luego, justo en el medio, en dos minutos de rojo absoluto. Finalmente, y de forma recurrente, nos muestra a una niña, en negativo en blanco y negro, recogiendo patatas. Es muy bonito, muy “estético”. Pero, una vez más, ¿cuál es el significado?
Y hablando de travellings, Jonathan Glazer no duda en utilizarlo, tres o cuatro veces. Por supuesto, con el argumento de que seguimos a personajes de la familia nazi, y no a deportados judíos, pero los filma frente al muro que los separa de los cuarteles donde mueren de hambre o de enfermedad. Y podemos ver, en el tercio superior de la imagen, la parte superior de estos muros. Un travelling de un cuartel de Auschwitz siempre es inmoral, aunque sólo veamos un buen tercio del mismo. Aunque tengamos el pretexto de esconderlos parcialmente tras una pared. Finalmente, la película termina - lástima si "estropeo" - con mujeres de la limpieza polacas limpiando, hoy, el museo de Auschwitz que reemplazó parte del campo. Una vez más, ¿cuál es el significado de todo esto?
Seguro que lo hay, porque la película es un gran éxito de taquilla, al menos en Francia, y gana premios en todo el mundo. Lo cual es muy sorprendente porque la película es bastante austera, por no decir aburrida. ¿Qué parte del inconsciente de sus espectadores toca? Probablemente no sea el más claro ni el más saludable. Obviamente hay un elemento de gogo catch, para los “bobos” que están demasiado felices de tener un tema de discusión en su próxima cena, donde podrán citar la única frase que conocen de la obra de Hannah Arendt; “La banalidad del mal”, esta tarta de crema que se estrena hoy en todas las salsas. Y aquí completamente fuera de lugar, ya que sabemos que Rudolf Höss fue nazi desde el principio (se unió al partido en 1922). Pero podría haber cosas peores. No sé si me atreveré a decirlo y mucho menos a escribirlo, porque evidentemente es sólo una hipótesis. Pero, durante toda la proyección, no pude evitar pensar que esta división del mundo en dos bandos, separados por un muro, me recordaba a otro. Más reciente. El que separa a Israel de Gaza. Esto ha sido evidente desde las masacres del 7 de octubre.
Sin duda hay algo obsceno en imaginarlo, pero quizás sea la verdadera razón del éxito de esta difícil película. Quizás esto sea lo más vergonzoso para muchos espectadores, como este deslumbrante regreso del antisemitismo actual. Este antisemitismo camuflado detrás del “nunca más” y la compasión por la Shoah. Ya que algunos siempre han preferido a los judíos muertos a los judíos vivos.
Nunca me permitiría decir que a Claude Lanzmann no le habría gustado esta película o que la habría condenado. Sería pretencioso hablar por él. De lo que estoy seguro, sin embargo, es de que no hay el más mínimo esteticismo en su obra maestra, Shoah. Lo cual no es el caso en The Area of Interest de Jonathan Glazer. Y ese es el problema.
