Una pequeña fotografía en blanco y negro está pegada a la entrada de la exposición. Esta impresión en gelatina de plata de 9,5 × 6 cm, de 1956, es la primera de Paolo Roversi. Tiene 9 años y dibuja el retrato de María, su hermana mayor, que va al baile con su nuevo vestido de princesa. “Esta elegancia, que marca un momento a la vez solemne, afectuoso y alegre, será el hilo conductor de la obra de Paolo Roversi”, analiza Sylvie Lécallier, conservadora de esta primera monografía de un museo parisino ofrecida por el Palacio Galliera al 76-año- viejo maestro. Desde el cuarto oscuro del principio hasta los marcos gris perla del final, la exposición se libera de cualquier cronología y favorece una inmersión poética en su universo. La primera pared de Polaroid, rostros desnudos como los éxtasis de la pintura sagrada, demuestra claramente el artista que es este fotógrafo de moda. Denominación, afirma. “A diferencia de muchos de mis colegas que tienen este complejo de “moda”, no lo encuentro nada peyorativo. Al contrario, es una disciplina noble porque somos fotógrafos de la alegría de vivir, de la elegancia, del bienestar, de la creatividad, de la imaginación, del ensueño. Siempre nos enfrentamos a los fotógrafos de guerra. Somos fotógrafos de la paz”, nos dice este nativo de Rávena, una ciudad en el Adriático en el noreste de Italia, “pero yo soy napolitano de espíritu. Para mí, la vida debería ser alegre.
Este proyecto expositivo comenzó antes del Covid. El largo período inducido por la pandemia le resultó provechoso. Memoria fotográfica del Palais Galliera, Sylvie Lécallier pasó meses examinando las miles de fotografías de los archivos del fotógrafo en su famoso Studio Luce, cerca del Parc Montsouris de París. “ Desde su primera impresión, Paolo ha conservado todo, incluso las fotografías fallidas”, señala. " Por qué ? Porque no me gusta tirar… Con el tiempo, cambiamos nuestro punto de vista sobre una imagen. Por ejemplo, esta Polaroid de la “Mano Roja” (Audrey Marnay en Comme des Garçons, 1997) que me resultó un completo fracaso cuando le hice el peeling (quitar la gelatina). Diez años después la redescubrí y me di cuenta de que era la más bonita de la serie. Me gusta dejarme explotar por el azar, por el destino, me gustan las imágenes que surgen por accidente. »
Sin etiqueta, pocos textos de sala y sólo un folleto de apoyo a esta visita que se centra en la emoción directa del espectador. “Queríamos que pudiera mirar las imágenes tal como son, detenerse, detenerse durante mucho tiempo, no pensar quién es este modelo, quién es este diseñador, y pasar inmediatamente a otra cosa. En una era abrumada por las imágenes que visualizamos en un teléfono, deje que el espectador se tome el tiempo para contemplar. Queríamos devolver un lugar a la materialidad de las imágenes con estas Polaroid, este objeto casi mágico, pequeño, brillante…”, subraya el comisario, erudito y sensible. Paolo Roversi añade: “Y no como todas esas imágenes que aparecen a mano, que se desplazan por la pantalla y que no tienen olor ni presencia. » Entre miles de documentos de archivo, eligieron 120: belleza omnipresente que deja al público en silencio, mirada directa como en August Sander, uso del color por un pintor como Matisse y por un fotógrafo como William Eggleston. “Nos guiamos por su relación con la luz que revela formas. La dualidad entre la luz del estudio, cuyas ventanas abre de par en par, la luz artificial de una linterna, que utiliza como pincel, la oscuridad que le trae recuerdos de su dormitorio infantil, donde la luz atravesaba las persianas durante la siesta. y lo hizo todo misterioso, explica el comisario. También fue necesario subrayar las constantes que marcan su estilo: el trabajo en la habitación, el trabajo en el estudio, la Polaroid por supuesto, las largas pausas y su relación como artista con creadores y modelos. »
Como el cartel de la exposición que se encuentra en los andenes del metro (el retrato de Molly Bair con un vestido de alta costura de Chanel de 2015 para Vogue Italia), el toque de Paolo Roversi no necesita ninguna explicación para despertar la imaginación. Sin duda desairado por el mundo de la cultura a causa de este poder mural (este poder de atracción de una obra) que la hace accesible a todos, Paolo Roversi sufre de un exceso de belleza. Tanto en el arte contemporáneo como en la moda, este criterio se considera obsoleto, incluso menor. “La belleza es un misterio”, nos dice. Intento revelarlo cada vez que trabajo, pero nunca del todo. Intento acercarme sin tocarlo realmente. Que siga siendo un misterio intocable. Me gusta flotar, vagamente, sobre mi trabajo. » No le gusta poner la belleza en palabras, ni definirse ni analizarse. “El estilo no es algo lógico ni aritmético. No tiene nada que ver con la técnica, con utilizar una Polaroid o un determinado tipo de luz. El estilo de un artista es su alma que se revela cuando se expresa. »
Esta exposición celebra cincuenta años de carrera en París. “Ser italiano en Francia era como vivir en una isla desierta, tener tu propio mundo en relación con el resto del mundo. Llegué aquí como reportero en 1973. Hice amigos que trabajaban en la moda, que me educaron y me iniciaron en las revistas, Vogue, Harper's Bazaar, y con ellos, Helmut Newton, Guy Bourdin, Erwin Blumenfeld, Richard Avedon, Irving Penn… Me gustó este entorno que ofrecía mucha libertad y espacio para la fotografía creativa. Hoy las cosas han cambiado mucho, hay más limitaciones, menos presupuesto, es más difícil preservar la libertad. » Si, en medio siglo, todos los diseñadores han desfilado ante su objetivo, sus grandes cómplices de la moda comparten esta sed de libertad radical, como los japoneses Yohji Yamamoto y Rei Kawakubo de Comme des Garçons. “ Conocí a Rei durante su primer desfile de moda en el Hôtel de Crillon de París a principios de los años 1980. Nuestra relación me enriqueció mucho, su trabajo es completamente brillante. Ella siempre me ha estimulado en mi investigación fotográfica, especialmente cuando experimenté con la iluminación con linterna. » Para la campaña primavera-verano 1997 de Comme des Garçons, lo utilizó como lápiz luminoso, jugando así con la densidad y los contrastes de los colores, con la dinámica de los volúmenes. “Los creadores son los compositores que escriben la partitura, los modelos son los instrumentos musicales y el fotógrafo es el intérprete”, le gusta repetir a lo largo de los años.
Para él, que siempre trabaja en la música, el tema es el centro del mundo, como ocurre con August Sander y Nadar, sus primeros grandes maestros. “Con un modelo se establece una especie de amistad fotográfica, de estima recíproca que da más libertad, que permite llegar más lejos. Ya no existen esas vacilaciones, esa timidez que frena la creatividad. Siento mucho respeto por los grandes modelos que, a través de su humanidad, encarnan a la mujer. No posan simplemente con una sonrisa y una posición más o menos interesante frente al objetivo. Son artistas capaces, sin guion, storyboard ni decoración, de llenar con una mirada y un gesto toda una escena, la del estudio vacío”, dice, ante los retratos de Natalia Vodianova (2003), que parecen emergen de los albores de los tiempos. “Más que unos ojos muy bonitos, tiene una mirada interesante, profunda, intensa, sensual. Intrigante como ella. » Este hombre amable y cortés reivindica la sencillez como su principal cualidad y la nostalgia como su principal defecto. Cuando era joven leyó a Sartre, Camus y los existencialistas. Cuando alcanzó la madurez, descubrió a Proust. “La humanidad y la amabilidad de Paolo, que no están tan extendidas en el mundo del arte y de la moda, aportan autenticidad a sus retratos”, testifica Sylvie Lécallier. No hay brecha entre sus imágenes, sus archivos, mi investigación y la persona que tengo frente a mí. » “Paolo Roversi” hasta el 14 de julio de 2024, en el Palacio Galliera, 10, Avenue Pierre Ier de Serbia, París 16.
