La Scala de Milán ha anunciado la muerte de un gran pianista. Si Maurizio Pollini, que acaba de fallecer a los 82 años, se sienta en el Olimpo de los gigantes del piano, quizá no sea por buenas razones. Debido a que tenía una técnica trascendente, la gente quería reducirlo a un virtuoso, a pesar de que sólo le interesaba la sustancia más profunda de la música. Debido a que su forma de tocar era sobria y sin patetismo, se decía que era frío, aunque no perseguía nada más que un ideal casi espiritual de respeto por la partitura. Como amaba la creación, lo llamaron moderno, aunque abordó la música contemporánea con una perspectiva clásica. ¡De estas paradojas que estaba pasando, este tímido casi no se recupera!
Nacido el 5 de enero de 1942, hijo de un arquitecto milanés, Maurizio Pollini se formó en su ciudad natal antes de probar suerte en concursos internacionales. En Ginebra, en 1957, obtuvo un segundo premio; el primero fue para su contemporánea Martha Argerich: no se puede soñar con temperamentos más diferentes entre el intelectual lombardo y el latinoamericano instintivo, aunque ambos tengan la misma desconfianza hacia -Vis lo gris de la carrera y la notoriedad. En 1960 ganó el famoso primer premio en el concurso Chopin de Varsovia, cinco años antes que Argerich. El presidente del jurado, el gran Arthur Rubinstein, afirma: “¡Él ya toca mejor que cualquiera de nosotros! » Declaración ambigua, como señala Alain Lompech en su obra Los grandes pianistas del siglo XX, porque puede verse como un elogio grandioso y también como una restricción, enfatizando lo que fascinó al público y al jurado: la perfección digital y formal de su tocar, en una época en la que esta precisión técnica no era necesariamente la regla entre los pianistas.
Mientras las salas y orquestas más prestigiosas se le abrían y EMI le hacía grabar a Chopin, él paró todo durante un año, para meditar, aprender, nutrir intelectual y espiritualmente una máquina digital como ninguna otra. En medio de una crisis de confianza, consulta a su gran padre Arturo Benedetti Michelangeli para armonizar sus dedos, su cerebro y su corazón. Algunos criticarán al maestro por haber acentuado la inclinación de Pollini hacia una cierta distancia. Sin embargo, cuando hablamos con él, las palabras expresividad y poesía fueron las que más surgieron, mucho más que las de forma o estructura. “Demasiado para los clichés”, nos dijo. Si alguien dice que soy riguroso es un halago. Hay que ser fiel al texto. Pero esto es sólo un punto de partida para desarrollar una interpretación libre. Los intérpretes que admiro, Cortot, Casals, Furtwängler, estaban libres. »
Una vez de regreso, lanzó su carrera, sin hacer concesiones. Próximo a la izquierda italiana, tocaba la música de vanguardia de su amigo Luigi Nono, un comunista comprometido, y actuaba en fábricas con su cómplice de toda la vida, Claudio Abbado, el director con el que más tocaba. Estos dos eruditos comparten sus ideales. Otro encuentro sorprendente: el venerable Karl Böhm, heredero de la tradición vienesa, se enamoró de este joven músico que anteponía al compositor a su propia gloria. En Deutsche Grammophon, Pollini grabó a Chopin pero también a Boulez, Beethoven y también a Schönberg. Lo veremos dando a Pleyel un programa Stockhausen-Brahms, comenzando con el primero para obligar al público burgués a abrirse a la modernidad antes de regresar a una mayor comodidad. Siempre lo ha dicho: no es por obligación o por interés cerebral que le atrae la modernidad, ¡es por placer! Para él, no hay ruptura entre Beethoven y Boulez: “¡La segunda sonata de Boulez tiene casi sesenta años y suena como si hubiera sido compuesta ayer! A pesar de su apariencia intelectual tiene una dimensión sensual y expresiva muy fuerte. En sus sonatas, Beethoven juega con cambios extremos de registro, corta temas, fragmenta el discurso, no se repite: ¡estos sesgos son la base de la sonata de Boulez! »
A medida que crecía, su sonido claro se oscureció un poco y, a medida que sus dedos perdieron algo de agudeza, su forma de tocar se volvió más libre, a veces a riesgo de redondear las esquinas. Es cierto que no se reconoció en algunas de sus grabaciones del primer período, como los Estudios de Chopin, que encontraba demasiado percusivo, demasiado articulado. Lo que le atrajo del piano fue la polifonía, por lo que también se interesó por la dirección, en la que incursionó brevemente, grabando incluso la ópera La Donna del Lago de Rossini, antes de ceder esta cuerda a su arco. Sin duda era demasiado introvertido y reservado para esta profesión de la comunicación que es la gestión. Sus incursiones en la música de cámara, en cambio, con el Quartetto Italiano o más tarde con el Hagen Quartet, siguen siendo ejemplares y atemporales.
En los últimos años, la salud de este fumador empedernido y rastreador (los dos van sin duda de la mano) se había debilitado notablemente, lo que le llevó a cancelar numerosos conciertos en 2022 y 2023. Por no hablar de esta triste velada de junio de 2023 en el Royal Festival. Hall de Londres donde, víctima de un olvido, se dirigió al backstage para buscar una partitura que no pudo reunir y pasar las páginas, un momento de soledad que dejó al público desconcertado por la consternación de este gran maestro. Pero lo que recordaremos son estos recitales anuales que André Furno organizó en la Sala Pleyel, luego en el Châtelet y en la Filarmónica de París, en su serie Piano Quatre Étoiles que nunca hizo tan bien a su nombre. Un maestro del habla controlada, que interpretaba los clásicos como si fueran modernos y los modernos como si fueran clásicos.
