“Durante los últimos cuarenta años, el dibujo se ha afirmado más en el mercado del arte. Hoy, habiendo alcanzado la madurez, se distingue claramente de la pintura de la que dependía”, se jacta Louis de Bayser, presidente del Salon du dessin, cuya 31ª edición se realizará del 22 al 27 de marzo en París.
Un evento que, durante estas décadas, se ha esforzado por mostrar toda la riqueza y variedad de estas obras de papel que han pasado a través de los tiempos, sin duda alguna. Gouaches, aguadas, tiza roja, acuarelas, pasteles han ganado sus cartas de nobleza. Desde el Renacimiento, los más grandes pintores se han dedicado a esta línea, dando rienda suelta a su imaginación, conceptualizando las formas de sus composiciones. Gracias al desarrollo de la imprenta, el papel más accesible reemplazó al costoso papel vitela y los talleres se llenaron de obras en papel, que a los propios artistas les encantaría hacer progresar en su arte. “Los artistas son los primeros coleccionistas. Captan muy rápidamente sus virtudes, expresando su talento y sentido estético. Un dibujo de un gran maestro, aunque sea preparatorio, les servirá para nutrir y expandir su arte”, subraya la galerista Laurie Marty de Cambiarire.
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Una vez relegadas a su única función como estudio preparatorio para la pintura, las obras sobre papel se convirtieron en una creación por derecho propio cuando, en el siglo XVIII, artistas como François Boucher comenzaron a firmar sus dibujos y venderlos. Como Delacroix e Ingres, por citar algunos, que siguen sus pasos. El dibujo ya no se reduce a un simple ejercicio académico destinado a permanecer en las cajas, se exhibe en las paredes. Y las siguientes generaciones siguieron su ejemplo.
El siglo XIX y principios del XX marcaron una época fructífera para el dibujo. A los artistas les gusta el papel para expresar su creatividad, su visión artística, su talento. Todos los principales pintores del arte moderno, desde Modigliani hasta Picasso, pasando por Cézanne o Chagall, utilizan ampliamente el dibujo como medio de expresión. Y hoy, el arte contemporáneo cuenta con artistas que se dedican únicamente a este arte. Cita ineludible en la capital, la feria del dibujo promete un agradable paseo que acoge este año a más de una treintena de expositores.
Para Le Figaro, algunos se han prestado al juego de descifrar obras de distintas épocas. Las creaciones del manierista Parmesan y Simon Vouet ilustran la escuela francesa e italiana del Renacimiento y el inclasificable arte moderno de Chagall. En arte contemporáneo, la pareja de coleccionistas y mecenas Daniel y Florence Guerlain, que desde 2006 otorgan a la muestra un premio de dibujo contemporáneo, presentan a los tres artistas seleccionados este año. Con una particularidad. Esta 16ª edición está dedicada al art brut, ese ámbito artístico donde artistas desprovistos de formación artística y de cualquier enfoque intelectual abren la puerta a un mundo paralelo donde el virtuosismo libre y salvaje se expresa en un impulso vital y espontáneo. Atípicos, los tres ganadores, para quienes el dibujo sigue siendo el único medio de expresión, revelan una hipersensibilidad mezclada con misterio y fantasmagoría.
“El parmesano es el artista manierista por excelencia, esa corriente estética que sigue al Alto Renacimiento, preconizando una agitación de las formas y una nueva representación de los cánones de la antigüedad, en reacción a la perfección clásica del Renacimiento. Sus dibujos forman parte de este movimiento. Gran admirador de Rafael y Miguel Ángel, el pintor de Parma los estudió para alejarse de ellos. Cuando Parmesan llega a Roma hacia 1523, Raphael está muerto, y se codeará con la esfera de los alumnos del prodigio del Renacimiento italiano. Frecuentará en particular a Giulio Romano, conocido en Francia con el nombre de Jules Romain y el grabador Marcantonio Raimondi.
Jules Romain había dibujado una serie de dibujos eróticos, una suerte de pedagogía del sexo, reunidos en un libro titulado I Modi. Estos dibujos, los encomienda a Raimondi, quien los graba. Pero el Papa, que no lo oyó para nada así, metió en prisión al grabador y destruyó las obras. Este dibujo está inspirado en uno de estos grabados. Parmesan se lo apropia y lo reinterpreta, tal vez por un deseo de preservar estas imágenes prohibidas, pero también ciertamente por un gusto por la cita y la referencia, un ejercicio típicamente manierista.
Además de su belleza, este dibujo refleja el erotismo subyacente contenido en sus pinturas. Curiosamente, esta representación sigue siendo bastante casta. Comienza con un grabado muy atrevido para finalmente restaurar una imagen muy tierna. Tenemos dos amantes de siluetas andróginas, sentados en un asiento que imaginamos antiguo en la época. En comparación con el grabado inicial, Le Parmesan ha cambiado la disposición de los brazos y las piernas. El pintor también juega con la ambigüedad. La figura entrelazada puede ser una mujer o un hombre. También profundiza su investigación en otro dibujo muy cercano, conservado en el museo de Budapest, donde el ser abrazado es claramente un hombre. Finalmente, a través de esta exploración del erotismo, se expresa el deseo del pintor.
“Esta obra de Simon Vouet es un dibujo de estudio, realizado con vistas a insertarse en una composición más ambiciosa. Este estudio preparatorio servirá para la figura de Hércules del tapiz Hércules hilando a los pies de Omphale, o Hércules y Omphale, parte del tapiz de los Amores de los dioses conservado en el Château de Chambord. Por lo general, refleja la naturaleza del dibujo en el siglo XVII, un trabajo intermedio ejecutado en el proceso de hacer otro trabajo.
Algunos dibujos provienen del primer borrador, revelando un aspecto un tanto confuso, donde el artista busca una primera idea de composición. Otros más acabados representan figuras aisladas poniendo en marcha, un movimiento, una pose. El dibujo de Vouet pertenece a esta segunda categoría. Realizado en tiza negra con reflejos de tiza blanca sobre papel beige, es una etapa de conceptualización bastante lograda. Más que un simple boceto, el artista refuerza notablemente los contornos para apoyar los efectos de volumen. En el tapiz, la pose de Hércules será muy parecida al dibujo preparatorio.
“Chagall usó el dibujo en su trabajo a lo largo de su vida como un trabajo por derecho propio. Cuando se le pide a Chagall que ilustre las fábulas de La Fontaine, el artista utilizará el medio del papel para crear gouaches con diferentes técnicas. Este trabajo está en la línea de los que produjo para Les Fables. Encontramos el mismo tecnicismo con colores muy vivos, animales colocados en primer plano y la falta de perspectiva muy típica de este período. Con la vaca, Chagall se acerca al arte parietal para transcribir las emociones primarias del Hombre, sus pensamientos, el mundo que le rodea. Esta connotación primaria y este fondo sin perspectiva crean una dimensión onírica, reforzada por los colores que utilizó.
La vaca también simboliza el vínculo entre el hombre, el animal y la naturaleza común de estos dos seres. La presencia de animales en Chagall tiene siempre una relación con la tradición judía que impregna la obra de este artista inclasificable. En cierto modo, pinta poesía judaica. Introduciendo siempre una noción del tiempo en su obra, Chagall utiliza la vaca como símbolo del pasado, de sus raíces, de su familia, de su infancia en la granja de Vitebsk. Su mujer Bella, desnuda sobre una cama apoyada en la zarpa del animal que avanza, ilustra a la vez su deseo, el amor que le tiene y un gesto decididamente vuelto hacia el futuro, el camino a seguir. Como un sueño del que quiere ser parte. En cierto sentido, Chagall se personifica en la vaca como pudo hacerlo con el gallo o el burro. A través de este dibujo, el artista cuenta su historia, sus orígenes, sus profundos sueños.
La pareja de coleccionistas y mecenas Daniel y Florence Guerlain descifran las tres obras que optan al premio de dibujo contemporáneo. Del 22 al 27 de marzo de 2023, exposición de obras de artistas seleccionados en el Salon du Dessin, en el Palais Brongniart, Place de la Bourse, 75002 París. Anuncio del ganador: jueves 23 de marzo de 2023
“Afectado por la trisomía 21, Pascal Leyder se expresa principalmente a través del dibujo. Su trabajo se basa en la copia de imágenes a las que da una interpretación personal. Se inspira en la cartografía, las historietas, el grabado o la escultura. Este paisaje marítimo está forjado a partir de grabados antiguos.
Pascal Leyder nunca ha estado en la playa, su visión es fantasiosa, forjada a partir de múltiples referencias gráficas. Sus atrevidas composiciones, la efusión de colores, las líneas hechas en un primer borrador y nunca corregidas, expresan una creación espontánea, compulsiva. Con sus gestos repetitivos, satura el espacio con sus apretadas líneas de color ejecutadas a rotulador o tinta. A través de esta repetición, su técnica se afirma y se vuelve muy avanzada. Un simple mapa Michelin, sirviendo de soporte, se convierte en una densa obra. La cartografía lo inspira particularmente, reflejando su marcado gusto por mezclar texto e imagen. La mayoría de sus composiciones ofrecen frases sibilinas.
“Con un gesto más preciso, este dibujo de Mehrdad Rashidi forma movimientos ondulantes para expresar su fascinación por los rostros que dibuja incansablemente. Sujeto fantasmagórico, metafórico y enigmático, estos rostros estilizados, multiplicados y con formas zoomorfas vienen de otra dimensión para evocar el amor, el deseo, la soledad, la alegría o la tristeza e invitar a la contemplación.
Estas misteriosas composiciones revelan la fascinación del artista por la investigación del subconsciente. Convocando a su Irán natal, del que huyó hace más de veinte años tras la revolución islámica, impregna su obra de cultura persa. Las letras de las canciones y las palabras de los poetas de su país adornan sus obras. Su obra, impregnada de romanticismo, ternura y nostalgia, se desarrolla sobre los soportes más básicos: un mapa, piedras, libros, un trozo de madera, papel reciclado... En su pequeño apartamento de Alemania, donde vive hoy con sus dos hijos. , se dedica compulsivamente a dibujar.
“Más investigados y sofisticados, los dibujos de Melvin Way están compuestos de fórmulas científicas y ecuaciones matemáticas. Reales o imaginarios, son pensados como talismanes protectores. Aquejado de trastornos mentales, ex drogadicto y viviendo en la calle, Melvin Way salió de la corriente gracias a su encuentro, en 1989, con un artista que dirigía un taller de arte en un centro de acogida para personas sin hogar. En aquel entonces, garabateaba sus fórmulas secretas en trozos de papel. Tenía cientos de ellos que guardaba en sus bolsillos, protegidos con cinta adhesiva.
Vive en otro mundo de fantasía en el que fórmulas y diagramas, magnificados por el gesto creativo, le ayudan a pasar al otro lado del espejo para viajar en el tiempo o cambiar el mundo. Intrigante y rebosante de creatividad, sus dibujos revelan un mundo arcano impenetrable habitado por un misticismo hechizante.
Feria de dibujo, Palais Brongniart, París 2, del 22 al 27 de marzo.
