Comedia de Quentin Dupieux, 1h18
Así no nos molestamos. Quentin Dupieux tiene una vocal generosa: le pone seis “a” a Dalí. Por si acaso, contrató a cinco actores para interpretar al pintor catalán, utilizando un recurso que Todd Haynes había adoptado con Bob Dylan en I'm Not There. No hace falta decir que el resultado es mucho más divertido e infinitamente menos laborioso. La imaginación reina a orillas del Mediterráneo. Una joven periodista (Anaïs Demoustier) intenta entrevistar al maestro. Lo escuchamos antes de verlo, con su voz instantáneamente reconocible, este acento caricaturizado, estas elevaciones en las notas altas. Finalmente aquí está, recorriendo sin cesar el pasillo de un hotel. Más grande que la vida, incluso más delirante que en los famosos anuncios de chocolate, Édouard Baer se divierte y hay que admitir que aplasta un poco a sus competidores (Jonathan Cohen se mantiene firme, Gilles Lellouche y Pio Marmaï se quedan atrás). Dalí es genial. Es insoportable, abandona el plató en mitad de una frase, cuelga a la pobre Anaïs Demoustier que tiene muchas ideas. La cámara no es lo suficientemente grande. El micrófono no está en el lugar correcto. Siempre hay algo mal. Dupieux se sumerge en la locura de su modelo, hilvanando cadáveres exquisitos con un buen humor que habría encantado a los surrealistas. Durante una cena, un sacerdote que salió de la casa de Buñuel cuenta sus sueños y de repente se detiene y explica: "Fue entonces cuando me desperté". Un vaquero dispara al sacerdote que iba montado en un burro. En su terraza, Dalí practica el tiro al pichón. El jardinero tiene muchas ganas de invitarlo. Le sirven un caldo infame. Ahí está Gala, la terrible Gala, vestal con entonaciones de ultratumba. Las portadas diarias marcan una trama que no tiene ni pies ni cabeza. El productor (Romain Duris, febril y astuto) afronta todos estos insultos con el estómago de un avestruz. El director es fiel a la fantasía de su héroe. También heredó parte de su bulo. Esto es lo que nos gusta de Dupieux, esa presteza que sólo le pertenece a él, su lado loco y bromista, esta manera única de aterrizar sobre sus pies. Los chistes chocan. Una cierta seriedad no está ausente, Dalí a menudo cree ver al anciano en el que se convertirá en una silla de ruedas. Este ego tecnicolor ofrece el espectáculo más delicioso. La película se convierte en un turbulento patio de recreo. El aburrimiento toma vuelo. La seriedad recibe una patada en el trasero. No arrastra. Las secuencias son tan vertiginosas como una lotería. Este Dalí en todos sus estados quita el polvo de los museos, inventa su propio carácter, sacude su leyenda. Entre dos carcajadas, percibiremos algo muy raro: el amor por el cine. EN.
Lea también Nuestra reseña de la nueva película de Quentin Dupieux: ¡le Daaaaaalí! los iniciados
Drama de Bertrand Bonello, 2h26
¿Por qué no tendríamos tres vidas? Sólo uno no es suficiente. Los sentimientos se sienten apretados allí. Se necesitan diferentes temporalidades para evocar esta historia de amor fallida que sabemos que pudo haber triunfado. En 2044, Léa Seydoux, que parece tener poco que ver con sus diez dedos, se presta a una experiencia única. En este futuro deshumanizado, las emociones ya no sirven. Para limpiar tu ADN, nada podría ser más sencillo. Estás sumergido en un líquido negro y viscoso. Un robot te pincha en la oreja y todos tus recuerdos desaparecen. Como una gaviota aceitada, la heroína sigue el juego: encontramos a Léa Seydoux en 1910. Encorsetada con su traje de noche, frecuenta los salones de alta sociedad. Esta Gabrielle Monnier es una pianista lanzada. París tiene los pies en el agua. Las inundaciones provocan un incendio en una fábrica de muñecas de porcelana. Rodeado por las llamas, el músico se sumerge en el sótano del edificio. Cambio de escenario en 2014. Léa Seydoux es la cuidadora de la casa de un arquitecto en Los Ángeles. La alarma suena a las cuatro de la mañana. Ella no tiene realmente miedo. Un extraño lo observa desde su auto. Cada vez que hay un hombre. Siempre es lo mismo. Se rozan, se extrañan, dudan, esperan. Cada vez hay una discoteca, el único lugar donde el amor está permitido. De lo contrario, se esconde en la jungla. Bertrand Bonello se inspiró en Henry James. El escritor le hace mucho bien. Este vasto panorama está repleto de descubrimientos. Película dentro de una película, fallas temporales, secuencias de tranquila belleza en cualquier época, el cineasta ha digerido sus influencias. Olemos el de David Lynch, que podría resultar aterrador. Bonello opta por el romanticismo y la libertad, no teme pasar a la noticia y salta de la ciencia ficción al melodrama. El hilo conductor aquí es Léa Seydoux. Lleva a toda la empresa sobre sus hombros. En comparación, su compañero parece insulso. Ella encarna los mañanas que cantan, los hoy que lloran, los ayeres que decepcionan, todo ello en un sonido de fuego y agua, música de Adamo o Visage. La película funciona como una máquina de discos que ha mezclado las canciones. Esto sucede deslizándose. Las eras se funden con infinita dulzura. Bajo techos moldeados, en medio de suburbios desiertos, en discotecas intercambiables e inquietantes, los personajes pierden su destino. Léa Seydoux, soberana, atravesaría los siglos, enfrentaría ejércitos, levantaría montañas. La película es original y hermosa, inteligente sin caer en la complacencia. EN.
Lea tambiénNuestra reseña de La Bestia: sea cual sea la época, Léa Seydoux la indomable
Animación de Neil Boyle y Kirk Hendry, 1h24
¡Por Morpurgo! Su nombre ya suena a una llamada a la imaginación y a los viajes literarios. En una historia, lo veríamos como un músico estrafalario que toca de pueblo en pueblo o como un príncipe ilustrado, dueño de un reino lejano que regresa de la guerra. Excepto que Michael Morpurgo no es un personaje. Este octogenario con tanta cortesía británica no pertenece a ninguna ficción, las escribe. Embajador de la literatura infantil en el Reino Unido, es autor de más de 150 libros y ha vendido cerca de 35 millones en todo el mundo. Una película de animación magníficamente adaptada de su novela homónima publicada por Gallimard, El Reino de Kensuké nos sumerge en su mundo tan agitado como conmovedor. Cuenta la historia del equipo de Michael, un adolescente que partió con su familia a navegar alrededor del mundo. Pero durante una tormenta, se cae por la borda con su perra Stella y termina en una isla. Rápidamente descubre que no está solo. Kensuké, un exsoldado japonés, ha vivido allí como ermitaño desde la Segunda Guerra Mundial, después de que se hundiera el barco en el que servía. Al principio hostil, el anciano solitario recibe al joven en su reino, en una casa construida entre los árboles. Le enseñará a vivir en armonía con la naturaleza y sus habitantes, incluida una tribu de orangutanes a los que protege de los feroces cazadores furtivos de los mares. Una fábula ecológica llena de poesía y una película de aventuras con múltiples vericuetos, El Reino de Kensuké es una maravillosa oda a los vínculos humanos y a la belleza del planeta. Con muy poco diálogo, servido por suntuosas música e imágenes, nos lleva a través de todas las emociones, desde el asombro hasta las lágrimas. V.B.
Lea también: 22 años después, la cautivadora Reino de Kensuké de Michael Morpurgo finalmente se adapta al cine
Drama de Agnieszka Holanda, 2h32
Frontera Verde poco tiene que ver con Yo, capitán, el viaje clandestino de dos jóvenes senegaleses que abandonaron Dakar para llegar a Europa. Ambas películas ganaron premios en el Festival de Cine de Venecia (premio especial del jurado para la primera, león de plata al mejor director por la segunda), pero adoptan perspectivas diferentes sobre el “drama de los inmigrantes”. A diferencia del italiano Matteo Garrone, la polaca Agnieszka Holland (La sombra de Stalin) no lleva guantes. No sólo porque filme en blanco y negro. Green Border es una obra de ficción que no inventa nada. Comienza en octubre de 2021, en el punto álgido de la crisis, cuando miles de inmigrantes de África y Oriente Medio acudieron en masa a la frontera entre Polonia y Bielorrusia. Alexander Lukashenko, dictador inamovible de Bielorrusia desde 1994, en su "guerra híbrida" contra Polonia, acoge a estos refugiados en Minsk para enviarlos mejor a su vecino, es decir, a la Unión Europea y al espacio Schengen. El gobierno polaco del PiS rechaza sin miramientos estos peones. Este contexto se recuerda y se explica en pequeños toques, a través de un diálogo. Pero Agnieszka Holland está sobre todo en la acción. Hechos y gestos. Es brutal. Entramos en la historia a través de una familia siria. Huyó de la guerra para ir a Suecia. El vuelo Estambul-Minsk es una escapada idílica. Les damos la bienvenida en la pista con flores y sonrisas. Lo que siguió fue menos alentador. Los llevan a la frontera con Polonia. Están abandonados en los hostiles y pantanosos bosques de Podlaskie, una región rural del este del país. A cada lado del alambre de púas, guardias fronterizos o soldados vigilan la zona. Perros y golpes de porra hacen retroceder a estos miserables de la tierra, rehenes de cuestiones políticas que los superan. Jan, un joven guardia fronterizo polaco, no rehuye la tarea. Los refugiados se agachan por la noche en la casa que él está renovando antes de la llegada de su primer hijo. Su esposa tiene estados de ánimo, él no. Otro personaje polaco aporta otra perspectiva a la situación: Julia. La psicóloga de cincuenta años se convierte en activista dentro de un grupo de voluntarios. Agnieszka Holland filma con fría rabia una catástrofe humanitaria a tres horas de Varsovia. Pero con Julia la historia se vuelve más demostrativa. El epílogo deja claro el punto. En febrero de 2022, durante la invasión rusa, cientos de miles de ucranianos fueron recibidos con los brazos abiertos por los polacos. Dos pesos, dos medidas. E.S.
Lea tambiénNuestra reseña de Green Border: el infierno en la Tierra
Comedia de Stefano Mordini, 1h47
¿Cuál es la diferencia entre el vino alemán y el vinagre? La etiqueta ! » El equipo Lancia puede presumir de este chiste de colegial que se cuentan durante los mítines. Es sólo un intento de una buena guerra por parte de los italianos para mantener la cara y ocultar otra realidad frente a la supremacía alemana. Porque si bien los alemanes no son los mejores en materia de vinos, a principios de los años 80 derrotaron con creces a sus competidores en las carreteras de competiciones automovilísticas en Suecia o Portugal gracias a las prestaciones de su Audi Quattro con tracción a las cuatro ruedas. conducir. Pero los italianos no han dicho su última palabra. Race for Glory cuenta la historia de esta batalla memorable y muy real entre los dos equipos, Lancia contra Audi, para ganar el título en el Campeonato del Mundo de Rallyes de 1983. Los intereses van más allá de la competición deportiva: se trata sobre todo de probar nuevas tecnologías. y vender vehículos. Pero no se le compra un coche a un perdedor. Para Lancia, cuyo Rally 037 sólo tiene tracción a dos ruedas, el enfrentamiento parece condenado de antemano, como David contra Goliat. Esto sin contar con la astucia y determinación de Cesare Fiorio, la figura central de la película que inspiró el guión. El director deportivo del equipo Lancia está dispuesto a todo para destronar a Audit. Zumbando, la comedia comienza alegremente con los pequeños arreglos de este niño sucio, un poco embaucador, que se adapta a las reglas con algunas desviaciones. Como esta escena tan divertida en la que se pasea entre dos inspectores que han venido a aprobar el número de prototipos necesarios para participar. Excepto que faltan noventa y siete... Pero después de un tiempo, la película se prolonga y da un poco de vueltas, por falta de algo realmente dramático. También es mejor saber algo sobre este deporte mecánico para comprender plenamente todos los desafíos de las carreras que se suceden. Por otro lado, estamos unidos al actor Riccardo Scamarcio. El hombre que interpretará a Modigliani en la próxima película de Johnny Depp realiza una vuelta impecable, sorprendente en el papel del jefe del equipo Lancia. V.B.
Lea tambiénNuestra reseña de Race for Glory: sin exceso de velocidad
