Drama de Molly Manning Walker, 1h28
A primera vista, Cómo tener sexo combina todos los clichés de una película para adolescentes. Después de los exámenes de secundaria, tres amigos llegan a un balneario mediterráneo repleto de hoteles de bajo coste. Tara, Skye y Em están decididas a divertirse. Corren a la playa mientras esperan conseguir su habitación, charlan como urracas, se atiborran de patatas fritas de las bandejas, nadan gritando y nunca dejan de tomarse selfies. Esta sobreexcitación no es una postura, es un estado que sólo cesará cuando se duerma entre dos fiestas, dos veladas, dos borracheras, dos vómitos. “Diviértete”, te dicen, y además –esto es importante– pierde la virginidad. Este parece ser el objetivo principal de Tara, al que sus dos amigas alientan al son de “¿cap o no cap? » Sobre este tema trillado de bacanales al estilo de las vacaciones de primavera (2013), Molly Manning Walker teje una película más ambiciosa: ganó el premio Una Cierta Mirada en el Festival de Cine de Cannes en mayo pasado. Una película que explora las zonas grises de la sexualidad entre los jóvenes y, más concretamente, entre las mujeres jóvenes, un tema que ahora se aborda con frecuencia en el cine. El director optó por el frontal sin dilación. El romanticismo no es su taza de té. Al sumergir a los tres amigos en lo que parece una orgía gigante para jóvenes encantados de estar allí, describe un mundo donde ninguna regla puede limitar pero donde domina el mandato: el de divertirse con todo. y en todo momento, aquel en el que decir no parece tan incongruente como llamar a tus padres para asegurarles que has llegado sano y salvo. Sobre todo, no muestres la sombra de un dilema. La envidia compite con el disgusto, la euforia con el malestar, la excitación con el abatimiento. Porque, claro, estaba escrito, la primera vez no iba a suceder como ella lo había imaginado entonces vestida con sus dictados de chica fría y desinhibida, sino de una manera constreñida y brutal. Cautelosa, sin embargo, la directora se mantiene a la altura de su heroína, sin soltarle la mano, como para acompañar también a los jóvenes espectadores que no dejarán de ir a ver esta película con sus reivindicadas virtudes educativas. FD
Lea tambiénNuestra reseña de Cómo tener sexo: noches de insomnio y deseos oscuros
Comedia dramática de Robert Guédiguian, 1h46
Todo comienza con un derrumbe, en pleno centro de Marsella, pero termina con un renacimiento, el de una mujer frente al mar. Al derrumbe de los edificios que se derrumbaron en la rue d'Aubagne en 2018, un drama social como preámbulo En su película, Robert Guédiguian busca la armonía y abraza el encanto a través del retrato de Rosa, el corazón solar de su obra coral. Rosa, maravillosamente interpretada por Ariane Ascaride, está en todos los frentes. Enfermera en un hospital bajo presión, activista en la lista de la (des)unidad de la izquierda durante las elecciones municipales, madre, abuela, especialista en pasta con anchoas y nueces, un plato familiar que aúna una leyenda armenia y sabores focenses ciudad. Ocupada con su trabajo, también lo está con su familia. Pero su encuentro con Henri (Jean-Pierre Darroussin), un ex librero, la llevará a pensar de nuevo en sí misma y a escuchar sus propios deseos. El director de Marius y Jeannette y las nieves del Kilimanjaro desarrolla una vez más, con Marsella como escenario, los temas que le son queridos: el compromiso político, la solidaridad, la denuncia de la pobreza social, la transmisión, la situación en Armenia. Todos están intrínsecamente unidos, abordados un poco en todos los sentidos a través de personajes a veces demasiado secundarios, pero con gran generosidad. Con su familia de leales actores, no ha perdido la indignación, pero también se divierte. En medio de esta agitación familiar y de las luchas cotidianas, la pareja formada por Jean-Pierre Darroussin y Ariane Ascaride parece casi un sueño. Acompañados de la maravillosa música de Michel Petrossian, filmados en primer plano de noche en un coche, sentados a la orilla del agua o bailando al pie de un edificio, estos viejos compañeros de juego destilan con evidente complicidad una dulce melancolía llena de ternura. La última línea es de Rosa, con la mirada fija en el Mediterráneo. “Debemos afirmar constantemente que nada termina, que todo vuelve a empezar. V. B.
Lea tambiénNuestra reseña de ¡Y la fiesta continúa! : Marsella encantada
Documental de Barbet Schroeder, 1h46
Barbet Schroeder ha conservado, a lo largo de los años, la hermosa sonrisa depredadora que le confiere su encanto. Tranquilo, preciso, atento, espera las preguntas como el formidable documentalista que fue para su Trilogía del mal, definiendo sin palabras su tema para el general Idi Amin Dada: el autorretrato (1974), sin olvidar el escenario sudoroso. Birmania para The Venerable W. (2016). Nada impulsivo, nada simplista, ni en una frase ni en un plan. La realidad es algo complejo de estudiar detenidamente. Todo requiere una observación precisa de los hechos. La historia se espesa con detalles significativos que lo dicen todo sobre el personaje, como el apenas disimulado acento inglés de Claus von Bülow en alemán, interpretado magistralmente por Jeremy Irons en El misterio de Bülow (1990). Hoy confiesa haber conocido al verdadero Claus von Bülow antes del rodaje. La Cinémathèque le dedica una retrospectiva hasta el 18 de diciembre. Este inconformista pretende defender “la más impopular de (sus) películas, Inju, la bestia en las sombras, estrenada en 2008 y casi olvidada”. En Ricardo y la pintura, Barbet Schroeder, de 82 años, aporta la misma mirada amplia y minuciosa a su amigo pintor, el argentino de Bretaña Ricardo Cavallo, mientras camina con su equipo hacia el motivo y su cueva marina o mientras cocina su arroz diario, como un monje. Comparte en pantalla la pasión de este argentino llegado a Francia en 1976, exiliado voluntariamente desde 2003 en Saint-Jean-du-Doigt (Finistère), por la historia del arte y sus maestros, Velázquez, Caravaggio, Delacroix. Le confiaría, nos dice, el primer capítulo de su Trilogía del Bien. ENFERMEDAD VENÉREA.
Lea también: Barbet Schroeder: “En todas las artes hay locura”
Fantástico de Stephan Castang, 1h48
Siempre debes tener cuidado con los pasantes. En el mejor de los casos, quieren robarte el lugar. En el peor de los casos, quieren matarte. En Vincent Must Die, el interno quiere la piel de Vincent. No es una metáfora. Tras salir de una reunión, el joven intenta golpear con un ordenador portátil al insignificante diseñador gráfico interpretado por Karim Leklou. Un empleado corriente del sector servicios, un bohemio corriente en su burbuja, un habitante soltero de la ciudad y un lionés sin historia, Vincent no tiene enemigos. Sin embargo, cuando el amable contable de su empresa lo ataca clavándole un bolígrafo en el brazo, surge la duda. Más tarde, fueron los adorables hijos de sus vecinos quienes lo atacaron en las escaleras. O el cartero que lo arrastra a un brutal tumulto en una fosa séptica. La primera mitad de Vincent Must Die es una joya de humor negro y una poderosa alegoría de nuestra sociedad paranoica y al límite. Un simple intercambio de miradas marca a Vincent como un objetivo potencial. El deseo de matar se transmite como un virus, tan contagioso como el Covid-19. Mathieu Naert (guión) y Stéphan Castang (director) conocen sus clásicos (John Carpenter, George A. Romero). Tienen la inteligencia para no imitar a sus mayores estadounidenses, manteniendo un ancla francesa en esta divertida y brutal “supervivencia”. La segunda mitad es menos convincente. El exilio de Vicente en el campo, lejos del mundanal ruido, está justificado. Pero su romance con Margaux (Vimala Pons), una camarera perdida que vive en un barco, no llega muy lejos. ¿Salvará el amor a Vincent de la locura de los hombres? Quizás, pero sobre todo socava un escenario hasta ahora impecable en cuanto a ritmo e inventiva. El encuentro de Vincent en un área de descanso de la autopista con Joachim, miembro de una red clandestina de víctimas de estas pulsiones asesinas, inicia un interesante camino. Desafortunadamente, también fue rápidamente abandonado. Cuando el segundo acto es débil, es mejor acortarlo en lugar de prolongarlo. E.S.
Lea tambiénNuestra reseña de Vincent Must Die: Psicosis de la vida
Docuficción de Mona Achache, 1 h 35
Mona Achache hace que Marion Cotillard interprete el papel de su madre, Carole, que se suicidó. Pero parte de su abuela, Monique Lange, editora y amiga de Jean Genet, empuja hacia el crimen perverso, para comprender una neurosis familiar y autodestructiva. Si el recurso documental resulta a veces torpe, la historia de este infeliz matriarcado es bastante conmovedora. E.S.
Ciencia ficción de Francis Lawrence, 2 h 37
Regresa a Panem con esta parte que tiene lugar sesenta años antes de la rebelión de Katniss Everdeen y sigue el deslizamiento hacia el lado oscuro de Corionalus Snow. El futuro tirano es un Rastignac sin dinero que pone sus esperanzas en una tribu del distrito más pobre. Francis Lawrence teje aquí una distopía apasionante. Pero este suspense se ve estropeado un poco por un final conocido de antemano. C.J.
