Comedia de Claude Zidi Jr, 1h42
A lo lejos resuena la música del abismo acompañada del silbido de un delfín. A cámara lenta, entra Lorenzo (Jean Reno), de espaldas al Mediterráneo. Treinta y seis años después del estreno de The Big Blue, nos hace gracia ver a este patriarca, estrella de los años 90. En la pantalla, una niña le pregunta a qué se dedica. Como los demás niños del cine, ella no sabe quién es. “He sido sicario, he buceado en apnea, incluso he viajado en el tiempo, pero eso no se puede entender. Les hablo de una época que los menores de 75 años no pueden conocer”, afirma. Retirement Home 2 juega con los espectadores. Los adultos sonreirán ante los saludos a Léon, al Gran Azul y a los Visitantes. Después de la primera residencia de ancianos, encontramos a nuestros jóvenes huérfanos que viven con nuestros mayores. Para el verano, esta gran familia mestiza se traslada a una residencia de ancianos situada entre cedros y pinos, en Var. Este paraíso se convierte rápidamente en un infierno porque los nuevos residentes (Firmine Richard, Liliane Rovère, Daniel Prévost, Michel Jonasz) y los antiguos (Amanda Lear, Chantal Ladesou, Jean Reno, Enrico Macias) se odian. Organizan reuniones secretas. Se declara la guerra de los mayores. Esta comedia familiar es alegre y muy amigable. La cuidada iluminación embellece a los personajes a pesar de sus arrugas. Son divertidos, libres de hacer lo que quieran con un toque de locura. No les importa todo. Con su camiseta de AC/DC y su pelo blanco salvaje, Liliane Rovère destaca. Amanda Lear, conocida como “Barbie”, es una tornada rubia que fuma porros vestida con un camisón de seda. Detrás de la cámara, Claude Zidi Jr. firma una producción moderna, de estilo “cartoon” y pop. L.L.
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Drama de Andrew Haigh, 1h45
Este San Valentín no encontrarás película más poética, inquietante y desgarradora que Sin conocernos, una delicada y sensual adaptación en el Londres actual del cuento Presencias de un verano del director japonés Taichi Yamada. Un cuento inclasificable de romance, trascendencia y fantasmas. Adam, guionista en busca de inspiración, vive en una torre moderna con apartamentos desocupados. Una noche se encuentra en el ascensor con Harry, un vecino que lo invita a su casa. Los dos hombres se gustan, pero Adam no se atreve a dar el paso. Conmocionado por este encuentro que rompe la monotonía, Adam regresa a los suburbios donde creció antes de que un accidente automovilístico se llevara a sus padres, hace tres décadas. Allí descubre, asombrado, que sus padres están vivos y bien, todavía en la treintena. En su presencia y en la de Harry, Adam encuentra un consuelo sin precedentes. Al horror que infunde la historia de Yamada, el director británico Andrew Haigh, ya destacado con 45 años, prefiere el surrealismo. Transforma esta odisea en un sueño despierto e inconexo que a veces se convierte en una pesadilla durante las visitas a clubes, donde los sentidos se ven abrumados. Inspirándose en las pinturas de Francis Bacon, hace que sus personajes evolucionen en espacios reducidos y nocturnos, como suspendidos en el tiempo y el espacio. Otro ajuste que refleja el viaje de Andrew Haigh y su sensibilidad: la pareja heterosexual original se convierte en un dúo queer. En la casa familiar, Adam es mimado como el niño que era. Como todos los padres, los suyos quieren saber si su hijo es feliz. Pero, ¿cómo se les explica a los adultos de la década de 1980 que es gay? Reducir Sin conocer esta dimensión militante sería un atajo erróneo. A través de la sinceridad a flor de piel de sus actores, Andrew Scott y el bigotudo Paul Mescal, intérpretes respectivamente de Adam y Harry, Andrew Haigh explora la trampa de la soledad, un flagelo universal. C.J.
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Película biográfica de Reinaldo Marcus Green, 1h47
Fueron necesarios cuarenta y tres años para que Bob Marley, una de las figuras más carismáticas del siglo XX, fuera objeto de una película biográfica. Directores tan experimentados como Martin Scorsese u Oliver Stone (disculpas) se han roto los dientes allí. Bob Marley. One Love llega a las pantallas gracias a la determinación del director estadounidense Reinaldo Marcus Green. Le agradeceremos que no haya recorrido los treinta y seis años de la vida del cantante -que abundan en la mayoría de las películas biográficas- para concentrarse en algunos años decisivos de su vida y de su carrera: la secuencia que va de 1976 a 1978. El británico Kingsley Ben-Adir interpreta muy bien el papel. Sin jugar nunca a los clones, es creíble en la piel de este héroe a la vez volcánico e introspectivo. Las escenas musicales están especialmente logradas, aunque muchas veces se pasan por alto en este tipo de películas. El éxito de Bob Marley. One Love se debe también a la inmersión que ofrece en Jamaica a finales de los años 1970, con su explosivo contexto político. Somos más reservados con los grandilocuentes flashbacks que sitúan a Marley de niño frente a la figura paterna, una intimidante figura masculina a caballo. NOSOTROS.
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Comedia de Reem Kherici, 1h26
Los anglosajones brillaron con Paddington, Ted y Garfield. La italo-tunecina, nacida en Neuilly, a orillas del Sena, Reem Kherici responde con Chichi de la street, la labrador gansgta y Diva, el Maine Coon al “booty shake” de Beyoncé. Estos dos que no debían encontrarse tendrán que unir fuerzas para conectar Montreal con Nueva York. Son perseguidos por un ladrón (Franck Dubosc) y una Instagrammer (Reem Kherici), a su vez perseguidos por un sheriff con dudosas intenciones (Philippe Lacheau). En el cine francés, la directora, guionista y actriz Reem Kherici es la primera que se atreve a intentar mezclar imágenes reales y animales en imágenes tridimensionales generadas por ordenador. A su llegada, Reem Kherici acertó su apuesta. Pudo disponer del mayor presupuesto jamás confiado a un director francés, es decir, 21 millones de euros. Su película es divertida y rítmica. Y lo que es raro en la comedia: es guapo. Como Tim Burton con Dumbo, Reem Kherici amplió los ojos de sus animales para transmitir mejor sus emociones humanas. También hablan. “Mi sueño de infancia era hacer hablar a los animales”, afirma este gran amante de los gatos. Como ella en vida, el tono cambia en un abrir y cerrar de ojos de la risa atronadora a la emoción. L.L.
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Drama de Alix Delaporte, 1h23
Quizás nunca deberíamos abandonar Montauban. En esto los pistoleros son categóricos. Salir de Grenoble es otra cosa. No sabemos qué habrían pensado de esto los mafiosos de Lautner. Entonces Gabrielle (Alice Isaaz) llega a París con sus ilusiones y su mochila. Sueña con ser periodista (no agregue: pobrecita). Pasante de un prestigioso programa de reportajes, estos fueron los primeros pasos de su carrera. Hay un comienzo para todo. En las oficinas todo está agitado. Los teléfonos suenan a diestra y siniestra. Los equipos están en alerta. Pascale Arbillot, con sus gafas serias, recibe al recluta con aguda ternura. El redactor jefe reorganiza a sus tropas. La noticia sigue su ejemplo. Debe aprender a desmontar una cámara en dos pasos. Ella observa. Ella aprende. Obviamente, la perspectiva comete errores. Eso, ella habla demasiado. Pero ella pensó que estaba haciendo lo correcto. Es el trabajo que llega. El channel manager tiene requisitos. Del público, siempre del público. “Lo internacional ya no funciona”, afirma Louis Leprince-Ringuet con su traje gris. ¿Y África? Sin embargo, ahí es donde está sucediendo. Demasiado peligroso. Además, los créditos son escasos. ¿Y si fueran a filmar un desfile de moda? Los viejos refunfuñan y obedecen arrastrando los pies. El ambiente ya no es bueno. Gabrielle es testigo de la desintegración de un entorno. La prensa audiovisual ya no es lo que era. Alix Delaporte muestra una profesión en decadencia, con sus imperativos económicos, la censura que no pronuncia su nombre, la tristeza y los momentos de fraternidad. La vida familiar pasa factura. Ni siquiera tiempo para tener un hijo. Divorcios y fracasos se ciernen sobre estos corresponsales con micrófono en mano. La película, modesta, sólida, implicada, sin duda se habría beneficiado de centrarse en una trama (las tríadas). No hay necesidad de ser exigente. Tal como están las cosas, Vivants describe a las personas en el trabajo, examinando una pasión pasada de moda. Ya es eso. EN.
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Película biográfica de Olivier Py, 1h34
"¿Qué es? ¿Qué tienes?" —le preguntó Filint a Alceste. Bueno, un pequeño dolor de cabeza y unas ligeras arcadas, podría responder el espectador al salir de la proyección de la película de Olivier Py sobre las últimas horas de Molière. ¿Era esta una copia de trabajo? ¿Una farsa? 17 de febrero de 1673, Théâtre du Palais-Royal: en su camerino, Molière se prepara para subir al escenario, donde interpretará a Argan, paciente imaginario. Por última vez. Molière, abandonado por el rey, mira su rostro muerto en el espejo. Tose como un excremento, escupe sangre. Él va a morir. Laurent Lafitte es Molière. No tenemos nada que reprochar al actor, sólo el encontrarse ante la cámara de Olivier Py, que aquí hace una película de nulidad ejemplar. Filmada a la luz de las velas para dar un sfumato crepuscular a los últimos momentos de Molière, esta película tenía algunas ambiciones estéticas, como todos los grandes fracasos. Pasemos al tema, la tesis, de la película. Molière, de quien prácticamente no sabemos nada, es el objeto ideal de las fantasías. Los del filisteo Py no son originales. Lo convierte en sodomita en un mundo de sodomitas. Todo el mundo es más o menos gay en la tierra del precioso ridículo. Molière está enamorada del pequeño Michel Baron, un joven y apuesto actor de la compañía que fue amante de Armande Béjart y gitón del duque de Bellegarde. En esta decoración apolillada, rostros empolvados desfilan en primeros planos pretenciosamente cursis. ¡Ah, se necesita elegancia para filmar la decadencia! AP
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