Drama de Marco Bellocchio, 2h15
En 1858, en Bolonia, los soldados del Papa separaron a un niño de 6 años de su familia judía. Todo esto porque supuestamente fue bautizado en secreto por su enfermera. El hecho no pasó desapercibido. En todo el mundo se involucraron caricaturistas que desconocían la existencia de las redes sociales. Con El secuestro, Marco Bellocchio se detiene en esta noticia que parece imaginada por un novelista falto de inspiración. Es muy grande. Las escamas se caen de los ojos. Todo esto es real de la A a la Z. El pequeño Edgardo se encuentra en un colegio religioso. Debe renunciar a su fe, aprender latín, asistir a misa. En el dormitorio, bajo las sábanas, recita en voz baja las oraciones que siempre le han enseñado. La familia no se recupera. El padre es recibido solemnemente por un cardenal. Ningún resultado. Pío IX no cede: el niño tendrá una educación católica. A veces, el converso que no está dispuesto a hacerlo se ve asaltado por las dudas. No duran. El alma obedece mandatos contradictorios. Aislado del mundo y de su familia, bañado en una profunda y frugal soledad, Edgardo se aleja de sus raíces. Descubre la vocación de otro futuro. Es una tragedia en cámara lenta. Mientras tanto, la autoridad del Vaticano es cuestionada. Su poder está disminuyendo. La ira retumba. Las banderas ondean. El soberano pontífice no mueve una pestaña. Italia está empezando a unificarse, a caer en el desorden. Marco Bellocchio despliega este fresco íntimo con mano firme, una cámara segura de sus movimientos. Mezcla las décadas en una luz de vidriera. Es una ópera de claroscuros, mecida por violines a veces melancólicos, a veces atronadores. Allí suceden cosas sorprendentes, audiencias, juicios, lágrimas y gritos. La película, sólida y desgastada como un baúl de época, avanza con paso decidido, con eficacia y refinamiento, imbuida de un lirismo controlado. Bellocchio tiene una voz que transmite. Es un hermoso libro ilustrado. El melodrama no va a morir. Tiene mil veces razón. Amén. MI. NO.
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Drama de Anna Novion, 1h52
Marguerite es estudiante de la École Normale Supérieure, sección de matemáticas. Allí se siente tan a gusto que camina por los pasillos en pantuflas. Su ascenso tiene una particularidad: es la única chica. Esto no le impidió dedicar su tesis a la conjetura de Goldbach, un problema que nunca había sido resuelto. Aquí ella está en la junta directiva, presentando su manifestación en público. Un simple error, detectado por un investigador, es suficiente para derribar todo el edificio. Deberíamos cambiar de tema. De ninguna manera. Marguerite cierra la puerta. Bastante. Cuatro años para nada. Otro universo espera a la joven. Tienes que buscar alojamiento, encontrar compañero de cuarto, encontrar dinero. Por este último punto, no te preocupes: se ganará la vida jugando bien al mahjong en salas clandestinas regentadas por asiáticos. En cuanto a la compañera de cuarto, será bailarina y atrevida. Marguerite quiere lo mismo. Ella sale. Ella bebe. Ella está coqueteando. Esta libertad lo aturde. Un poco serio. Fiestas de pijamas, resacas, eso está bien por un tiempo. Volvió a pintar las paredes del estudio de negro para cubrirlas con ecuaciones de tiza. Estas fórmulas confunden al mundo y lo organizan armoniosamente. Se convierte en arte, poesía. La heroína recibe ayuda en su trabajo de un compañero de estudios que llega de Oxford y toca el trombón. No hace falta haber inventado la teoría de la relatividad para adivinar que estos dos caerán en brazos del otro. El teorema de Marguerite es la historia de una pasión. Estamos entre Will Hunting y Un hombre excepcional. Ella Rumpf es taciturna, introvertida y llena de conocimientos. La educación superior tiene éxito en el cine francés, como anunció La Voie Royale, donde se cuestionaba la Politécnica. MI. NO.
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Animación de Hayao Miyazaki, 2h04
“La película definitiva de Miyazaki”: así presentamos The Boy and the Heron, una nueva obra del maestro de la animación japonesa. Como para darle un valor extra, sería su película “testamentaria”. El interesado no hizo ningún comentario. Su anterior trabajo, The Wind Rises (2013), ya tenía tintes autobiográficos - el hombre nació en 1941, su familia construía aviones - evocaba de manera realista la Segunda Guerra Mundial en Japón. The Boy and the Heron aborda el tema de la guerra mientras lo expande al universo onírico más amplio de un cineasta al que nunca le ha faltado imaginación. La guerra golpea con fuerza desde las primeras imágenes: Mahito se despierta con los gritos de las sirenas que anuncian un ataque a Tokio. El niño corre detrás de su padre hacia el pueblo y el hospital donde trabaja su madre y donde muere. Todo es fuego, terror y destrucción. Esta primera escena épica contrasta con la segunda, donde vemos a Mahito con 11 años llegar con su padre, recién casado, a un pueblo donde lo espera su madrastra. El talento del cineasta se muestra al pintar un campo verde, una mansión rodeada de naturaleza y una torre misteriosa desplomada entre zarzas y hiedra. La belleza invade la pantalla mientras una garza pasa rozando al joven. Este pájaro pronto se convertirá en una especie de Pepito Grillo. Inspira ideas en la cabeza del héroe, que no puede encontrar su lugar ni en su nuevo hogar ni en la escuela. Habría otro mundo donde estaría su madre. Mahito irá a buscarlo. Por tanto, la historia se adentra definitivamente en la fantasía. “ Los muertos son los más numerosos”, le dice uno de los personajes a Mahito. “ El mundo es un ser vivo infestado de moho e insectos”, dice otro. Efectivamente hay algo crepuscular en esta última película, un tono oscuro que se mantiene a lo largo de todo el film a pesar de algunos toques de humor y de la poesía inherente al universo japonés. Por tanto, no está destinado a espectadores más jóvenes. Una película sobre el duelo, también puede verse como un himno que celebra los recursos y la resiliencia del hombre frente a la adversidad, "ya sea que el mundo sea bello o feo". FD
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Drama de Vasilis Katsoupis, 1h45
Lo parece, pero Inside no es el remake americano de Vécés cerrado desde dentro, el primer largometraje de Patrice Leconte. Aquí no son las salas de estar, sino todo el apartamento el que está cerrado desde el interior. Nemo se encuentra atrapado allí. Un ladrón experimentado y ladrón de arte, irrumpe con la ayuda de un hacker invisible que desactiva remotamente el sistema de seguridad. Pero cuando todo sale mal, el intruso se queda solo, atrapado, como una rata. Nemo es interpretado por Willem Dafoe. Una obra de arte en sí misma, entre el loco shakesperiano y el Duende Verde. Con un rostro tosco y un cuerpo nudoso, se parece a los dibujos de Egon Schiele esparcidos por el apartamento. A través de los grandes ventanales (doble acristalamiento irrompible) se puede ver el horizonte de Manhattan. Nemo apenas tiene tiempo para estar eufórico. Cruel ironía, esta casa conectada, un hogar sobreprotegido, se convierte en una prisión llena de peligros. La calefacción está encendida. El agua ya no fluye. Se corta el gas. El frigorífico habla o toca Macarena pero no contiene comida. El único producto comestible es el caviar. Nemo se lo come con el cucharón mientras ve la televisión. En la pantalla aparecen las imágenes captadas por las cámaras de videovigilancia. Vemos a una señora de la limpieza subiendo y bajando los pisos del edificio, distante e indiferente. Para su primera película de ficción, el director griego Vasilis Katsoupis orquesta un encierro involuntario y radical, un regreso a la naturaleza en un entorno hipercivilizado y de alta tecnología. Nemo lucha por su supervivencia. Para no morir de sed, lame las paredes del congelador. Sin agua, la taza del inodoro no se puede utilizar. Nemo termina en ropa interior. Se vuelve loco, dibuja en las paredes, habla solo, explica la receta de la pasta cocida en agua fría. El lujoso apartamento se deteriora con el paso de los días, hasta el punto de adquirir aires de basurero. En su interior hay una pesadilla metafísica. Y Nemo, un héroe pascaliano o beckettiano. Los buenos días no volverán. MI. S.
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Película biográfica de Géraldine Danon, 2h11
Errores de navegación a efectos de una película sobre navegación, no hay nada de qué preocuparse. Cuestión de luz, encuadre, climatología. Con excepción de los marineros, ¿quién notará la incongruencia de que el personaje de Florence Arthaud navegue a babor con los vientos alisios? ¿Y quién puede notar que, en el plano final del interminable largometraje dedicado por Géraldine Danon al navegante, la actriz Stéphane Caillard, que interpreta, ciertamente, con pasión, a la primera y única mujer ganadora de la carrera transoceánica de la Ruta del Ron? en solitario en 1990, cae por la borda a estribor pero ve cómo su velero se aleja hacia babor? La noche es oscura. Tanto en la película como en este sábado 29 de octubre de 2011, cuando la vida de Florence Arthaud casi dio un vuelco frente a la costa de Cabo Córcega. Antes de desaparecer de verdad, menos de cuatro años después, a los 57 años, el 9 de marzo de 2015 durante un accidente de helicóptero en Argentina. Perder la vida en el aire mientras “la pequeña novia del Atlántico” ha inspirado a niñas y niños a superarse gracias a sus hazañas en el mar: es una trágica paradoja. Esta película biográfica es otra. Visto por Géraldine Danon, el extraordinario viaje de aplomo y audacia de un batidor de récords en los océanos se prolonga. Flo es un ejercicio cinematográfico académico enredado (culpa de la mayoría de las películas biográficas) por la cronología. Géraldine Danon describe la vida de su heroína como si repasáramos una lista de compras. ¿Qué quería mostrar el director con este retrato? ¿Y qué sentido tiene apoderarse de una vida femenina tan extravagante y reducirla a este collar de perlas? Excepto tal vez para demostrar que una mujer puede vivir con tanta descaro y destruirse tanto como un hombre. Una demostración fantástica si hubiera contado con un escenario, una imagen y una dirección. Sin embargo, Flo no es del todo vanidosa. Después de una hora y media de espera, la belleza y la emoción de las regatas oceánicas finalmente se apoderan de ti. ES.
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